L'arribada de La verge de la tosquera als cinemes espanyols suposa un nou pas en la consolidació del terror llatinoamericà a la gran pantalla europea. Aquesta pel·lícula, que barreja adolescència, màgia negra i crisi social, adapta dos contes de l'autora argentina Mariana Enríquez i els transforma en un retrat incòmode i molt físic del pas a la vida adulta.
Lluny dels ensurts fàcils, la proposta de Laura Casabé aposta per un terror diürn, polític i emocional, en què la violència es veu a plena llum del dia i les pors personals es confonen amb l'esfondrament d'un país sencer. Per al públic d'Espanya i d'Europa, la cinta arriba com una coproducció entre Argentina, Mèxic i Espanya que dialoga tant amb la tradició del cinema polític com amb el gènere fantàstic contemporani.
Una adaptació de Mariana Enríquez amb segell propi
La pel·lícula parteix de dos relats inclosos a Els perills de fumar al llit, el llibre de contes amb què Mariana Enríquez es va consolidar com una de les veus més potents del terror en espanyol. Els textos originals, El carret y La verge de la tosquera, serveixen aquí com matèria primera per a una història única, reescrita des de la mirada generacional de Casabé i el seu coguionista Benjamí Naishtat.
La directora ha explicat que no cercava una translació literal, sinó captar l'univers d'Enríquez: aquests barris perifèrics on el que és quotidià i el que és sobrenatural es barregen, la pobresa convertida en amenaça constant i una violència que travessa cossos i espais. El resultat és una cinta que respecta el to malsà i social de l'autora, però el filtra mitjançant una posada en escena molt personal.
Fitxa tècnica i artística: una coproducció amb accent espanyol
La verge de la tosquera està dirigida per Laura Casabé, cineasta argentina coneguda per títols com Els que tornen. La pel·lícula dura 95 minuts i es presenta com una coproducció entre Argentina, Mèxic i Espanya, cosa que ha permès que el projecte tirés endavant en un context econòmic complicat al seu país d'origen.
En el repartiment destaquen Dolors Oliverio com Natalia, Luisa Merelas al paper de l'àvia Rita, Fernanda Echevarría com Silvia i Agustí Sosa interpretant Diego. Amb ells, el film compta també amb Isabel Bracamonte i Candela Flores als papers de Josefina i Mariela, les inseparables amigues de la protagonista.
El guió va a càrrec de Benjamin Naishtat, director de títols com vermell o puntuació, que aquí aporta un fort component polític i social al relat. La pel·lícula s'estrena a sales de Espanya després de passar per Argentina i amb previsió d'arribada també a Mèxic, reforçant el circuit de cinema de gènere llatinoamericà a Europa.
Sinopsi: gelosia, màgia negra i un estiu maleït
La història se situa a les afores de Buenos Aires, al calorós estiu de 2001, en plena crisi econòmica i esclats de violència als carrers. Allí viuen Natàlia, Mariela i Josefina, tres amigues inseparables que comparteixen gairebé tot: barri, precarietat i una obsessió comuna per Diego, el seu amic de la infància.
Aquest fràgil equilibri es trenca quan apareix Silvia, una jove una mica més gran, més cosmopolita i amb un passat ple de experiències, viatges i anècdotes que fascinen el grup. Diego se'n queda completament enamorat, i la relació de poder entre els personatges canvia: Natalia comença a veure Silvia com una amenaça directa a la seva il·lusió amorosa i al seu lloc a la colla.
Empesa per la gelosia i per un entorn on la violència forma part del dia a dia, Natalia decideix demanar ajuda a la seva àvia Rita, que viu amb ella en una casa humil. Rita coneix els ressorts dels encanteris i la màgia negra, i no dubta a iniciar la seva néta en aquest territori fosc quan veu la seva desesperació.
A partir d'aquí, la pel·lícula segueix el viatge de la protagonista cap a una màgia cada cop més poderosa i perillosa, que s'alimenta del malestar intern, dels desitjos contradictoris i d'una ràbia continguda durant anys. La bruixeria no apareix com un joc ni com un simple adorn fantàstic, sinó com una extensió extrema de la gelosia, la frustració i la por de perdre-ho tot.
Un coming-of-age entre la crisi i el terror
Més enllà dels elements sobrenaturals, La verge de la tosquera funciona com un relat d'iniciació. Natalia té 19 anys, comença a deixar enrere l'adolescència i es troba amb diversos fronts oberts: el descobriment de la seva sexualitat, les primeres traïcions afectives, la relació ambivalent amb el seu cos i els secrets familiars que emergeixen al pitjor moment.
La pel·lícula retrata aquesta etapa com un període en què tot es magnifica: els desitjos semblen impossibles de controlar, la gelosia esdevé inaguantable i cada gest de l'altre s'interpreta gairebé com una agressió. El component fantàstic empeny aquestes emocions fins al límit i les tradueix en imatges de terror molt físiques, en la línia de certes cintes de gènere que han sabut vincular adolescència i horror.
La directora ha citat entre les seves referències les primeres obres de Lucrècia Martel, com El pantan o La nena santa, amb les quals comparteix un interès pels cossos suats, les cases desballestades i aquest clima de suggestió constant. També hi ha ressons de Carrie, de Brian De Palma, en la manera de convertir el malestar adolescent en un esclat violent que ningú vol veure venir.
No obstant, Natalia no és una víctima passiva: la pel·lícula la mostra com un personatge actiu, contradictori i capaç de desencadenar la destrucció quan sent amenaçat el seu objecte de desig. El terror no se situa només fora d'ella, sinó que neix de la seva incapacitat per manejar el que sent.
Del barri a la gran metàfora d'un país trencat
El context no és un simple decorat. L'acció transcorre durant el corralito argentí de 2001, una crisi que va deixar milions de persones sense estalvis i sense horitzó. Apagades, talls de llum, violència policial i una pobresa cada vegada més visible es filtren a la trama com elements quotidians que condicionen la vida dels personatges.
Un dels fils que ve del relat El carret és la figura d'un home esparracat que empeny un carro ple dels seus pocs efectes, repudiat pels veïns que temen que la pobresa sigui una mica contagiosa. Aquesta imatge es transforma en la pel·lícula en una metàfora brutal d'un país que es devora a si mateix, on els marges socials acumulen misèria i ressentiment.
Per al públic europeu, aquesta dimensió política connecta amb una tradició molt reconeixible del cinema argentí compromès, des de les pel·lícules d'Adolfo Aristarain fins a les de Pablo Trapero, i enllaça també amb una certa línia del cinema espanyol d'autor que mai no ha defugit el comentari social. Casabé se situa en aquesta genealogia, però ho fa des del gènere, usant el terror com eina per parlar de pors col·lectives.
La directora insisteix que a l'Argentina la por a la pobresa ia perdre-ho tot s'ha tornat part de l'estructura emocional del país. A la pel·lícula, aquest temor es materialitza tant a les rates que envaeixen els marges del barri com a les mirades desconfiades entre veïns, en una atmosfera de crisi que sembla no acabar mai.
Terror diürn, atmosfera malsana i violència explícita
Un dels trets més cridaners de La verge de la tosquera és la seva aposta decidida pel terror a plena llum del dia. La major part de les escenes inquietants succeeixen sota un sol abrasador, en carrers polsosos o cases on tot es veu amb claredat, cosa que fa que la violència resulti encara més incòmoda: no hi ha refugi a la foscor.
Casabé ha esmentat com a referències personals pel·lícules com Midsommar o L'home de vímet, on l'horror es cou al sol. Aquí, aquesta elecció visual subratlla que la violència passa davant de tots, sense que ningú hi intervingui, i reforça la sensació que el barri sencer participa, per acció o omissió, a la tragèdia de Natalia.
L'atmosfera té una mica de malaltís i enganxós: la calor, la suor, les parets escrostonades i el soroll constant del barri creen un entorn en què qualsevol petit conflicte sembla llest per explotar. El treball de muntatge, a càrrec de professionals vinculats també al cinema de Martel, en manté una tensió permanent que puja sense esgotar, dosificant l'alliberament de la violència.
Hi ha moments de violència gràfica i sang, pensats més com sacsejades de realitat que com a espectacle gore. La pel·lícula no pretén ser ultrasangenta, però sí molt concreta i seca quan mostra els cops, les ferides i les conseqüències físiques dels actes dels personatges. En aquest contrast entre una estètica cuidada del suburbi i una violència crua rau bona part del seu impacte.
Bruixeria, amistat femenina i poder
Un altre eix clau del film és la forma com presenta la bruixeria i l'amistat entre noies. Lluny de l'estereotip d'aquellarre demonitzat, la pel·lícula aborda la màgia com una energia compartida entre dones joves que busquen recursos per sobreviure en un entorn hostil.
La relació entre Natàlia, Mariela i Josefina es mostra com una mena de canilla: es protegeixen, s'imiten i, alhora, es poden tornar tòxiques quan entren en joc la gelosia i la rivalitat. La pel·lícula captura molt bé aquesta etapa en què les amigues es converteixen gairebé en una extensió d'una mateixa, fusionades fins a un punt que frega el narcòtic.
L'àvia Rita actua com a pont entre generacions, transmetent un saber màgic que té arrels al folklore i les creences populars. Aquesta herència no es tracta com a superstició pintoresca, sinó com a un conjunt d'eines que les dones han utilitzat històricament per afrontar la violència, la pobresa i la manca d'opcions.
En aquest context, els poders de Natalia funcionen com metàfora del seu despertar: com més intensos són els seus desitjos i la seva ràbia, més es manifesta la seva capacitat per alterar la realitat. El terror es cola així en l'íntim, en la manera com una noia de 19 anys intenta controlar el que és incontrolable i, en fer-ho, desencadena forces que la superen.
Del paper a la pantalla: literatura de terror llatinoamericana al cinema europeu
La verge de la tosquera s'inscriu en una onada d'adaptacions d'escriptores llatinoamericanes que estan arribant a les pantalles europees. Abans ho van fer Distància de rescat, de Samanta Schweblin, o Temporada d'huracans, de Fernanda Melchor, i aviat veurem també versions cinematogràfiques d'obres de Selva Almada o Camila Sosa.
En aquest context, Mariana Enríquez s'ha convertit potser en la figura més popular d'aquest nou terror en espanyol, amb diversos projectes audiovisuals en marxa. La seva manera de trenar pors íntimes i denúncia política, de situar fantasmes en barris marginals i aparicions a cases humils, connecta amb una sensibilitat contemporània que a Europa troba ressò tant a festivals com a circuits comercials de cinema de gènere.
Per a la directora, el gènere de terror és una via privilegiada per a apropar al gran públic temes socials que, durant anys, semblaven reservats al cinema més realista o autoral. L'èxit recent de produccions com Quan colpeja el mal demostra que hi ha un públic ampli disposat a enfrontar-se a relats incòmodes sempre que vinguin embolicats en una proposta potent de gènere.
La verge de la tosquera aprofita aquest buit: utilitza codis recognoscibles del terror (climes de tensió, esclats de violència, elements sobrenaturals) per parlar de crisis econòmiques, precarietat, masclisme i por estructural. Aquesta combinació facilita la recepció en mercats com l'espanyol, acostumat tant al cinema polític com al fantàstic.
Producció marcada per la crisi i el suport internacional
El rodatge de la pel·lícula va estar travessat per un context econòmic molt inestable a Argentina. Casabé ha explicat que, quan van començar a filmar, la inflació rondava el 25%, cosa que va desfinançar pràcticament el projecte i va obligar a replantejar bona part de la producció.
En aquest escenari, el suport de productors espanyols i mexicans va resultar decisiu. La pel·lícula va canviar fins i tot el seu lloc de rodatge: va passar dels suburbis de Buenos Aires als voltants de Mendoza, adaptant localitzacions sense renunciar al clima de perifèria empobrida que la història necessitava. La implicació d'empreses i professionals d'Espanya ha permès que el film arribi ara a les sales amb una presència sòlida al mercat europeu.
La directora també ha denunciat el clima d'hostilitat cap al sector cultural que es viu actualment al seu país, amb campanyes de descrèdit cap als que treballen al cinema i altres disciplines artístiques. Durant el rodatge, l'equip va patir agressions verbals i fins i tot físiques per part de persones que els increpaven perquè «s'anessin a treballar», evidenciant fins a quin punt la cultura s'ha convertit en camp de batalla política.
En aquest sentit, La verge de la tosquera cobra una altra lectura: no només parla de la crisi de principis dels 2000, sinó que s'estrena en un moment en què l'Argentina viu una nova sacsejada política i econòmica. Per a l'espectador europeu, el film es converteix així en una finestra a un país que repeteix els seus fantasmes cíclicament, i que utilitza el terror com a forma d'exorcitzar-los.
Tot aquest entramat fa de La verge de la tosquera una proposta especialment interessant per al públic d'Espanya i Europa: combina un retrat generacional cru, un context polític reconeixible, la potència de la literatura de Mariana Enríquez i un ús molt conscient del cinema de terror com a vehicle per parlar de pors íntimes i col·lectives, sense perdre en cap moment la proximitat d'aquell estiu sufocant als afores de Buenos Aires on una adolescent decideix, a la seva manera, no tornar a ser la mateixa.
