El nou Frankenstein de Guillermo del Toro arriba després de dècades d'anhel creatiu i un llarg desenvolupament que, per poc, no veu la llum. Amb Oscar Isaac com a Victor Frankenstein i Jacob Elordi com la Criatura, la pel·lícula combina el classicisme gòtic amb una mirada moderna i emocional, primer en una finestra limitada a sales i, després, a Netflix el 7 de novembre.
Més enllà de l'etiqueta de terror, la proposta se sosté en un relat íntim sobre paternitats imperfectes, abandó i redempció. Del Toro minimitza l'ús de CGI, aposta per l'artesania i es permet decisions audaços —inclosa una seqüència musical en el procés de creació— per narrar una història que dialoga amb la de Mary Shelley i la seva pròpia biografia.
Origen i visió del projecte
Del Toro reconeix que va llegir Frankenstein de Shelley a la infància i que, des de llavors, la història va ser un far personal i creatiu. La pel·lícula, aixecada contra “xifres astronòmiques” i rebutjos previs, va tirar endavant amb l'impuls de Netflix, igual que va passar amb la seva Pinotxo. El cineasta va voler presentar el film a Mèxic i ho va fer amb una gala simbòlica a l'Antic Col·legi de Sant Ildefons, envoltat d'utilleria i referències anatòmiques.
El seu mètode continua fidel a una idea: art fet per persones, per a persones. Recelós de delegar en allò digital, Del Toro defensa el detall manual, els efectes pràctics i la invenció de taller. Ho va expressar sense embuts: en lloc d'espectacles generats per ordinador, prefereix textura, color, volum i un equip humà lliurat a la minuciositat.
Aquest enfocament es tradueix en decisions de posada en escena singulars. La creació de la criatura, per exemple, evita l'èmfasi a l'ensurt i es concep com un esclat de joia: un Victor-director d'orquestra que arma un cos al ritme d'un vals, que celebra l'instant abans de la caiguda.
El realitzador també subratlla que cada pel·lícula seva neix de vivències, pors i records. L'adaptació de Shelley us serveix per examinar l'herència de la violència i els llaços trencats des de la infància, un motiu que travessa la seva filmografia i aquí hi troba un mirall potent entre creador i creació.
Sobre l'exhibició, Del Toro accepta l'equilibri: lluitar per la pantalla gran quan és possible, però protegir, per damunt de tot, el “mida de les idees”. En el model de producció, l'estrena a sales es combina amb l'abast d'una plataforma global.
Una adaptació fidel i lliure alhora
El film no “calcifica” la novel·la a la pantalla. Pren l'estructura de Shelley i l'entreteixeix amb troballes de versions prèvies i aportacions pròpies, en una tasca de patchwork on cohabiten respecte i llicència. La criatura recupera la seva intel·ligència i sensibilitat —sovint entelades per la icona popular—, i guanya veu narrativa en un dispositiu que la situa al centre del relat.
La pel·lícula reimagina personatges i enllaços. Elizabeth i William amb prou feines s'assemblen als seus homònims literaris, mentre que Victor —encarnat per l'Oscar Isaac— s'inclina sense embuts cap al deliri de la seva pròpia arrogància. Del Toro afegeix a Henrich Harlander (Christoph Waltz), un mecenes amb ressonàncies d'“estudi” que finança i condiciona, metàfora transparent de l'intercanvi entre recursos i control.
Visualment, el laboratori aïllat, la tempesta i certs codis gòtics remeten al cinema clàssic i al terror gòtic sense subordinar-s'hi. Hi ha picades d'ullet a Universal, a la tradició europea ia adaptacions posteriors, però el conjunt respira una identitat deltoriana reconeixible: romanticisme fosc, dolor íntim i bellesa en allò inadaptat.
El repartiment principal el completen Mia Goth (en un doble paper amb pes dramàtic), Charles Dance, Felix Kammerer i Christoph Waltz. La criatura de Jacob Elordi emergeix com a mirall tràgic del seu creador, no com a simple ombra bruta, i la seva mirada articula una de les tesis del film: l'altre existeix quan ho mires de debò.
A Europa, la pel·lícula va passar per Venècia (fora de competició), Sant Sebastià i Sitges, on va collir elogis per atmosfera, disseny visual i el treball d'Elordi. Aquest circuit va consolidar la lectura del títol com a melodrama gòtic amb múscul emocional més que com a peça de terror pur.
Família, culpa i perdó: el cor del mite
Del Toro reubica el centre de gravetat: menys “jugar a ser Déu” i més herències afectives. El Victor de la pel·lícula arrossega l'ombra d'un pare exigent i fred; en intentar corregir el seu passat, reprodueix la brutalitat. L'enllaç amb la criatura -fill no acceptat- funciona com un joc de miralls on es confonen culpa i necessitat d'amor.
El romanticisme, entès aquí com a encreuament de mort i amor, batega en la posada en escena i en les decisions dramàtiques. El perdó adquireix un valor pràctic —no edulcorat—, gairebé com única via per tallar el cicle de la violència. El final s'inclina per una sortida existencial: no prometen consol ple, però sí la possibilitat d'acceptar allò que som.
En aquesta clau, Mia Goth aporta capes a personatges tradicionalment reduïts a figures satèl·lit. La seva presència sosté la discussió sobre l'empatia com a motor que humanitza el “monstre” i despulla la mesquinesa dels qui li neguen un lloc al món.
Fins i tot decisions formals, com el “vals” de la creació o l'economia d'efectes digitals, dialoguen amb el subtext: si les imatges tenen ànima, és perquè darrere hi ha un autor insuflant vida amb mans i ofici, no un assemblatge industrial indiferent al detall.
Estrena, recepció i expectatives
Després del seu debut festivaler i un passi limitat a salesEn , la pel·lícula arriba a Netflix el 7 de novembre. La recepció crítica ha subratllat el pols visual, la intensitat del treball actoral i la capacitat del film per emocionar sense encasellar-se en l'ensurt.
A la conversa de premis, el to de melodrama gòtic —més proper a l'emoció que a l'ensurt— podria impulsar-la en apartats artístics (disseny de producció, fotografia, vestuari) i obrir buit en categories més grans si qualla el seu pòsit humà. Amb tot, el mateix Del Toro prioritza que l'obra circuli i es vegi: la pantalla importa, però les idees importen més.
Una lectura possible, a la llum de tot això, és que aquesta versió de Frankenstein recompon peces de l'imaginari col·lectiu per explicar una història íntima i vigent: un home que crea igual i descobreix, tard, que no sap ser pare; una criatura que aprèn a anomenar el món ia mirar-lo de cara; un mite que respira nou alè quan algú gosa cosir-lo amb la seva pròpia vida.
